LA CLINICA

Nunca Volveré Aquí
6 de julio - 5 de septiembre, del 2024

Exposición individual:
Javier Santos a.k.a. SMEK


"tertium quid" es un sustantivo usado en la alquimia para definir una tercera cosa que es indefinida pero que está relacionada con dos cosas definidas o conocidas

Tal se podría definir a través de este término la creación del Meztizo, término usado por primera vez en La Raza Cosmica de Jose Vasconcelos. En este texto, el político Oaxaqueño describe una quinta raza que emerge en el "nuevo mundo" como una fusion de todas las demas razas sin distinción de color, creando asi una nueva civilizacion que erigiera en las margenes del Amazonas una ciudad, "Universópolis", desde la cual "aviones y ejércitos irán por todo el planeta educando a la gente para su ingreso a la sabiduría." En teoría una fusión no jerárquica, en práctica una desaparición de cultura, rasgos, lenguas e indígenas, en favor de adoptar rasgos y cultura superiores que puedan ver a la par de la modernidad. El rapero y activista afroperuano Felipe Andrés Coronel describe a la quinta raza como la encarnación del odio europeo hacia los pueblos indígenas. "Así como los españoles exterminaron a los taínos violando a las mujeres negras e indias, creando latinos". El título de la exposición Aquí nunca volveré, indica que aunque los mestizos quisieran regresar al lugar de donde son, no podrían hacerlo, porque el territorio que una vez fue suyo, ya no existe.

Exposición comisionada por CUEN Gallery

17 de mayo - 6 de junio, 2024

Power: Entre cuerpo y territorio

Artistas participantes: Alexander Roschke, Isabelle Hucht, y Jorge Sánchez Di Bello
Curaduría de Ruina y La Clínica


El término inglés “POWER” significa fuerza, logro, energía y poder. Bajo este epígrafe, el proyecto aborda, entre otras cosas, la presión por ceder la hegemonía y las limitaciones. En esta exposición podremos ver una serie de piezas que yuxtaponen distintos niveles en los que la presencia de la actividad humana ha sido instrumentalizada como recurso (𝑒𝓃𝑒𝓇𝑔í𝒶).

Texto de Daniel Franco

24 de febrero - 8 de abril, del 2024

reabsorción

Artistas participantes: Lucy Beech, Patricia Belli, Vava Dudu, Mili Herrera, Naomi Rincón-Gallardo, Frieda Toranzo Jaeger, y Susana Wald
Curaduría de Oliver Martínez Kandt

Paralell Oaxaca se complace en presentar su primera colaboración con La Clínica dando como resultado la exposición colectiva: “reabsorción”.


Como un recorrido de relaciones permeables que expanden corporalidades más que humanas, reabsorción navega entre las conexiones regenerativas y la viscosidad intrínseca de los cuerpos, que se propagan a diferentes velocidades a través de abstrusas contingencias de origen y fin.


La exposición contrasta visiones sobre los potenciales materiales entre especies y los deseos elásticos de los cuerpos para revelar las intimidades que los sustentan. Indagando sobre los flujos y obstrucciones presentes en las relaciones sobre género, identidad, reproducción y muerte, la exposición se inspira en el proceso metabólico y/o cómo una infiltración hídrica cruza fronteras y estructuras rígidas que lidian por contenerlas o determinarlas, ya sea por medios sociales, formales o por intenciones políticas.

Lucy Beech
Flush, 2023
15 min cortometraje

reabsorción incluye el estreno en México de Flush (2023) de la artista inglesa Lucy Beech, el cortometraje cuestiona la manipulación reproductiva por procesos hormonales en la industria bovina, mezclando documental, re-enacments y poesía, la obra presenta los procedimientos de "inyección de colorante placentario" que originaron el estudio de lo flujos hormonales entre las vacas hembras y su gemelo macho durante la gestación, que resulta en el mosaico sexual etiquetado como “freemartin”; las vacas son ordeñadas, puestas en celo, inseminadas mediante el uso las tecnologías y de estructuras metálicas que las encierran para exponer el paso de fluidos -mierda, leche, sangre, semen, orina. La obr combina la jerga médica y agrícola con la poética para cuestionar la indeterminación del freemartin con vistas a formalizar los valores normativos de género dentro de la sociedad humana.

En la galería central de La Clínica reabsorción presenta una selección de obras escultóricas de Patricia Belli, Naomi Rincón Gallardo y Mili Herrera, así como obras bidimensionales históricas de Susana Wald.

Piel de Uroboros (2020) es una obra textil de la escultora nicaragüense Patricia Belli, la obra alude al símbolo de la serpiente que engulle su propia cola y que al formar un círculo representa el ciclo eterno de las cosas. La pieza llama la atención sobre la continuidad del tiempo y el renacer perpetuo.

Naomi Rincón Gallardo presenta Mariposa II (2024) procedente de su último film Eclipse (2023), la escultura ofrece una re-interpretación de las Tzitzimimes, entidades femeninas devoradoras en la creencia apocalíptica mexica/azteca, entre las tzitzimimes encontramos a Itzpapalotl - la mariposa de obsidiana, que bajaba augurando el triunfo de la noche en los eclipses para ejercer poderes dañinos sobre en el territorio, lo cual en el universo creativo de la artista se traduce como una venganza radical al orden normativo patriarcal.

Mili Herrera presenta Ángel (2020), una composición escultórica que se despliega como un collage realizado co radiografías de diversas amistades que la artista ha reunido, la escultura extiende un sentimiento de transformación generativa, reconfigurando un cuerpo a partir de imágenes de su interior y cuestionando la impermanencia de la unidad.

Susana Wald presenta 3 dibujos realizados en los años noventa en los que propone extender la solidez de la arquitectura celebrando sus limitaciones; creando cuerpos que se expanden más allá de sus límites, los dibujo presentan el movimiento elástico capaz de interpenetrar geometrías táctiles a través de compuestos femeninos libres impulsados desde el deseo.

Mili Herrera
Sin Título, 2019
radiografía y estructura de hierro
185 x 116 x 65 cm

︎︎︎comunicado de prensa
www.paralleloaxaca.com

Revelando lo invisible:
Una exploración multidimensional de territorios conscientes
2 de diciembre - 4 de Febrero del 2024

La conciencia, a menudo considerada como un concepto difícil de alcanzar, es un aspecto fundamental de la existencia. Este proyecto pretende arrojar luz sobre la conciencia, no simplemente como una experiencia individual, sino como un fenómeno colectivo que impregna todas las formas de vida e invade el espacio. Pensar en nosotros mismos como meros actantes en un universo vivo sugiere que la conciencia es una fuerza primordial y no algo que sólo afecta a los humanos. A través de diálogos con comunidades indígenas e investigaciones sobre el tema de los estudios de la conciencia, lxs artistas se embarcan en un viaje a través del tejido de la conciencia y nuestro entorno animado. El proyecto tiene como objetivo inspirar a los espectadores a explorar los profundos misterios que se encuentran dentro y alrededor de nosotros.


Esta muestra se hace posible a través de Pro Helvetia y gracias al apoyo del Departamento de Cultura de la Municipalidad de Basel. Mas información: www.consciousterritories.com

Sobre el colectivo:

Katherine Newton trabaja en diversas disciplinas. Sus tácticas incluyen sonido, arte de instalación, obras cinematográficas, performance, arte multimedia, arte conceptual, arquitectura e ilustración. Las composiciones y procesos son multidisciplinarios. Todo está conectado en su proceso artístico. Los espacios reverberan como un recuerdo de sonido.

info@newton-katherine.com
www.knewton.info

Susanne Hartmann
Diplomada en diseño gráfico y desde 2012 con una Maestría en diseño conceptual, trabajo en proyectos interdisciplinarios y conceptuales en el campo de las artes visuales, las ciencias, la comunicación y la identidad. Vive y trabaja en Basel.

susanne.hartmann@suan.ch
www.consciousterritories.com

Alejandro Nolla
Nacido en Morelia Michoacán, México. Vive en Cuernavaca, trabajo en Cuernavaca y Ciudad de México. Con más de 10 años de sólida experiencia en diseño, ha reunido un conjunto muy particular de materiales suaves y habilidades duras debido al trabajo activo con varios clientes y equipos multidisciplinarios que van desde educación, comercio minorista, medicina, moda, publicidad, ingeniería química, entre otros.

andarkmatter@gmail.com
www.nolladesigner.com

Casa Abierta en La Clínica
Jueves 24 de agosto 18:30 hrs

Casa Abierta es un encuentro anual de artes escénicas contemporáneas curado por poco a poco. Esta sexta emisión recibio a 20 artistas promoviendo una red de creación, investigación, docencia y muestra profesional de las artes vivas en la ciudad de Oaxaca y sus valles centrales, al sur de México. Organizado a través de convocatorias, el programa público sostiene performances, instalaciones sonoras, teatro, danza, talleres y proyecciones, los cuales se presentan en diversos espacios culturales e independientes como La Clínica, Estación Morelos, La Locomotora Foro Escénico, POCOAPOCO, y Necia.

Descarga el programa completo de CASA ABIERTA.pdf

Dentro de La Clínica se presentaron:

Represa, performance de Sofía Zamudio
Jueves 24 de agosto 18:30 hrs
y
El Cuerpo es el Mensaje, instalación Coreo-Sonora del colectivo Sociedad del Paisaje
24 de agosto al 2 de septiembre

Represa:
Represa es una práctica situada, que moviliza y cambia las formas entre cuerpos líquidos, una acción viva que se crea en la relación de una densidad común en constante mutación. Represa es un cuerpo que modifica y amplifica sus formas, una especie de bolsa con agua en la que flotan huesos y carne, una reserva natural y a la vez artificial, cuerpos de agua cambiando, desbordándose en un mundo donde lo sólido es disuelto por la acción.
Dirección y Performer: Sofía Zamudio
Asistente de Dirección y Diseño sonoro: Fermín Martínez
Duración: 25 min

El Cuerpo es el Mensaje:
Instalación performática, proyecto que se desarrolla como un lienzo que puede activarse/jugarse desde la amplitud de cada cuerpo. Código abierto/open source, un espacio para la colaboración activa de una pieza sonora/coreográfica.
Este proyecto utiliza el ruido como lenguaje amorfo, acto performático que busca la sintonización del cuerpo en el espacio. El sentido de la pieza tiene que ver con la imposibilidad de enviar corporalidades a distancia, de verse primitivos y sucumbir ante artificialidades que no soportan la complejidad de los cuerpos. Las antenas como una representación de la infraestructura de “conectividad” a distancia.
Dirección: Sendic Vázquez
Equipo de trabajo:
Sendic Vázquez, Fermín Martínez, Iliana Olalde
+ artista invitada (Evelyn Méndez Maldonado)
Duración: 30 min

Sobre lxs artistas:

Sofía Zamudio
Artista escénica, performer, investigadora de las artes vivas y del movimiento. Utiliza la investigación, improvisación, somática y la coreografía como detonadores de encuentros, creaciones, intercambio de saberes y afectos. Investiga la performatividad del cuerpo vivo en transformación continua, en relación con el espacio, objeto y distintos estados de percepción inducidos por la acción. Sus estudios y prácticas artísticas se encuentran en él entrecruce de disciplinas audiovisuales, performativas, movimiento somático y danza butoh; es a través de procesos de experimentación que entrelaza su trabajo entre las artes vivas y el cuerpo vivo.

Sociedad del Paisaje
Un proyecto colaborativo conformado por Fermín Martínez (FRCH) -artista interdisciplinario, diseñador sonoro y productor audiovisual-, Sendic Vázquez -director de escena y artista escénico- e Iliana Olalde -directora, coreógrafa y performer-. Desde un pensamiento de Hackeo, organizan un espacio de creación, investigación y experimentación donde se cruzan prácticas performáticas y sonoras en la relación cuerpo-paisaje-ruido. Los proyectos de la Sociedad del Paisaje han sido presentados en distintos encuentros, festivales y espacios de México, Alemania, Brasil, Perú y Colombia, desde 2018 a la fecha.

15 de junio - 20 de agosto del 2023
Qué fue – qué es

Exposición individual:
Gitte Svendsen


Qué fue – qué es de Gitte Svendsen (Dinamarca), es una exposición que muestra el trabajo realizado durante su residencia en La Clínica (Oaxaca, México, 2023), y que se complementa con algunas piezas de bordado tufting hechas en el estudio de su ciudad natal.

Las obras de Svendsen se inspiran en los espacios de su entorno inmediato de trabajo, como las calles o el mercado, exponiendo en primer plano las acumulaciones y excesos que se observan en estos paisajes urbanos. En su quehacer, abstrae los elementos que comprenden las composiciones de las ciudades que habita, ya sean los colores de Copenhague o la textura de los materiales de Oaxaca. Svendsen también utiliza los patrones de composición de las ciudades —tanto existentes como imaginadas— para reticular sus composiciones, en las que el bordado tufting opera en su objetualidad.

En esta exposición, la artista danesa utiliza materiales contrastantes, como el papel maché y el plexiglás. Con el primero refiere su propia práctica artística y la emparienta con la tradición artesanal mexicana. Con el acrílico trabaja la luz y su movimiento, revelando los cambios del espectro de colores que suceden a lo largo del día, poniendo como protagonistas de estas piezas al viento y sol. Qué fue – qué es se apodera de la arquitectura de La Clínica, en un trabajo artístico que estimula tanto los sentidos como la mente.

Exposición comisionada por CUEN Gallery

24 de febrero - 25 de marzo, del 2023
El RECINTO presentó:
HÁBITAT PRESENTE. ARTE, TERRITORIO Y TECNODIVERSIDAD

Curaduría de Isabel Deheza
Artistas participantes: TRES + Media Lab MX, Bárbara Foulkes, Fernando Feria e Irizaida Navar, Bea Millón, Giovanni Fabián Guerrero, CYBORGRRRLS + JEQO, Miguel Cinta Robles, Líquidos para contenedoras porosas Lucía Hinojosa, Daniela Solís, Irene Trejo, Elena Solís, Paulina Grange. Investigadores y activistas: Josefa Sánchez Contreras y Francisco de Parres Gómez


Hábitat Presente reflexiona sobre la presente emergencia medioambiental en México, al tiempo que buscará abrir diálogos alentadores. La muestra promueve el conocimiento transdisciplinario, por lo que busca crear redes entre públicos, artistas, investigadores y activistas de diferentes edades, trayectorias y partes del mundo.


La exhibición se vio acompañada de una serie de activaciones como: (1) un screening y conversación de "Milpa Comunal", documental realizado por Edith Morales en el que se habla sobre la tierra y el maíz, sobre la sabiduría de las mujeres campesinas, y sobre la importancia de la comunalidad; (2) un diálogo abierto en Casa Biocultural Niyana; (3) una presentación de la publicación "Fragmentos: Glosario de Investigación" en El Anhelo; (4) un conversatorio sobre la minería en México con la participación de TRES art collective, Media Lab MX, y Bea Millón el cual se puede volver a visitar aquí; (5) y durante la inauguración un menú FUF! de y un performance sonoro de Fer Feria.

6 de enero - 17 de febrero del 2023
El RECINTO presentó:
Nature must go, you must stay   

Curaduría de Tan Uranga 
Artistas participantes: Andrea Guízar, ASSAAAAAMM, C.Nuñez, Daniel Robles Lizano, Daniel Uranga, Enrique Arriaga, Javier Fresneda, Manuela Riestra, Margot Kalach, Mayra Karvalho, Natalia Ramos y Piedra Volcánica.


Las obras exhibidas en esta muestra no pretenden ser representaciones miméticas de la naturaleza, sino que buscan generar una indagación en torno a los sistemas de producción, entendiendo que la manipulación de los materiales implica una manipulación en sí de sus significados.
    Que el ser humano se sirva de la naturaleza para sus propios propósitos es inevitable. Lo que se proponen les artistas es repensar los significados y valores que hemos otorgado a los objetos, buscando regresar a las realidades del mundo físico para encontrar otras formas de aproximarnos a la materia, fuera de las lógicas de consumo masivo.
    Al analizar estos procesos de reestructuración de sistemas y de creencias, es imprescindible considerar las propuestas de les artistas, pues muestran los múltiples panoramas, las distintas salidas y las realidades que cada une está viviendo con la crisis medioambiental.

26 de octubre - 31 de diciembre del 2022
Ineludible estar aquí (parte 1: Por todos los medios necesarios)   

Artistas participantes: Dimitri Madimin
Con textos de Ariadna Solis



Ineludible estar aquí es un proyecto que consiste en un video musical, una exhibición y una conversación. La primera parte, la exposición titulada "By All Means Necessary", busca problematizar cómo ciertas formas de violencia son legitimadas y justificadas a través de una idea de lo que es el arte proveniente del renacimiento y como el hip-hop (como una forma de arte) es construido en términos de racialidad/criminalidad y por lo tanto es considerado una forma de expresión tabú. Tendiendo así un puente de discusiones urgentes entre territorios del norte y sur global en respecto a las políticas identitarias, las estrategias de resistencia y las prácticas artísticas. Creando conversaciones y trabajando con matices que requieren especificidad en la forma en que opresiones sistemáticas encarnan experiencias localizadas. Presentada por primera vez en Rotterdam, la muestra desplaza las siguientes preguntas (y las maneras en que estas se manifiestan) a Oaxaca, al igual que cómo sus respuestas desde el arte, el cuerpo y el gozo confrontan e imaginan otras realidades.

25 de agosto - 16 de octubre del 2022
"un cuchillo para tallar un cuchillo" capítulo 2:

Artistas participantes: Eunice Choi, Harry Dodge, Liam Wilson, Rachel Youn, Rame Cuen, Ramón Jiménez Cárdenas


El capítulo 2 toma a NADIE ES DE AQUÍ como un territorio estético de partida... algunas de las esculturas de Rame comienzan a desvanecerse mientras otros objetos comienzan a emerger. Una estantería de Ikea, una pila de libros, plantas, una lámpara, un sofá… cada uno perteneciente a un artista participante.

Los diferentes objetos que confluyen en el espacio son un espacio (un dónde) para el pensamiento sintético; interesado en agudizar un sentido de complicidad (y agencia) en la configuración de la materia.

Texto de sala

13 de mayo - 1 de julio del 2022
"un cuchillo para tallar un cuchillo" capítulo 1:
NADIE ES DE AQUÍ

Artistas participantes: Rame Cuen


"un cuchillo para tallar un cuchillo" es una exposición en 2 capítulos de La Clínica que explora metodologías de hacer y deshacer. El primer capítulo involucra la cosmología Nadie es de Aquí de Rame Cuen. Las metodologías de Rame para este cuerpo de trabajo implican coleccionar pasados, ensamblar paisajes y prolongar la herencia –implicarse en ella; afilarla en lugar de cortarla. Objetos, semillas y fotografías se acopian en un espacio en el que nadie es dueño de nada, sino que todos deben todo; una ofrenda al pasado.

16 de septiembre - 16 de octubre del 2022
Oye gringo nos están matando a las mujeres...  

Artistas participantes: Talena Sanders
Instalado en el Jardín Carbajal


Durante su estadía en Oaxaca, Talena Sanders se intrigó con grafitis dirigidos a turistas, algunos de los cuales ocupaban la misma retórica de la derecha política de Estados Unidos: "hey gringo go back to your land". Irónicamente, esa tierra (land) no es tierra de los gringos.

Uno de los grafitis que más le llamó la atención no ocupaba esta retórica sino que simplemente mandaba un mensaje: “hey gringo they are killing us women”. Talena optó por reproducir ese mensaje en papel picado, típicos adornos que folklorizan un espacio para la mirada del turista.

Los grafitis políticos, críticos y dirigidos a los extranjeros son pintados por la ciudad casi todos los domingos. El aspecto decorativo de la pieza de Talena camuflajea el mensaje en un lenguaje de representación oficial que es amigable con el turista. En lugar de hablar con "el otro" Talena está hablando ella misma.

Jueves 19 de Agosto del 2022 (7:30pm)
Cortometrajes de Talena Sanders

Talena Sanders trabaja con su experiencia en el cine experimental y artes de estudio para crear un cine éticamente comprometido y visualmente impactante que cuestiona y desestabiliza la forma documental. Trabajando en gran parte en películas de 16 mm, Sanders está profundamente dedicada al análisis histórico, la materialidad y las realidades vividas: sus obras plantean preguntas críticas sobre el privilegio y el poder de quién puede y quien no puede contar historias sobre realidades vividas.

El trabajo de Talena ha sido proyectado, exhibido y coleccionado internacionalmente, incluso en el Museo de la Imagen en Movimiento, el Museo de Arte Moderno, el Festival de Cine de Londres BFI, el Festival de Cine de Nueva York, FID Marsella, el Festival Internacional de Documentales de Montreal, Viennale y DokuFest Kosovo. Su primer largometraje, Liahona, es distribuido por Documentary Educational Resources y Doc Alliance. Talena es actualmente profesora asociada de Estudios de Comunicación y Medios en la Universidad Estatal de Sonoma, donde está desarrollando un nuevo programa de licenciatura en Artes y Tecnología Cinematográficas.

9 de abril del 2022
La Sombra de Terra Nullius: Imaginarios coloniales como vida actual. instituciones; dispositivos; tautologías; ambigüedades

Conversación curatorial de James Oscar


La Clínica recibió al curador, crítico de arte e investigador antropológico James Oscar para una serie de conferencias que forman parte de su proyecto de investigación curatorial titulado La nueva región del mundo. Proyecto que está desarrollando en una residencia de un año en Fonderie Darling en Montreal.

Aprende más sobre La Nueva Región del Mundo

14 de enero - 17 de abril del 2022
CUEN Gallery presentó:
Dispositivos de Desorientación

Artistas participantes: Camila Cadogan, Ricardo Diaque, Michel Gantous, Paola Medina, Haylie Jimenez, and Sydnie Jimenez. Sus prácticas operan en múltiples disciplinas que van desde las bellas artes hasta las interacciones sociales, performance y la pedagogía. De esta manera, los artistas que se encuentran en esta plataforma están ligados a una posición artística (y por lo tanto política), saltándose así la especificidad y los límites de una disciplina.

Curaduría de Ramón Jiménez Cárdenas


¿Cómo nos imaginamos nuestras redes afectivas? ¿Qué tanto de nuestra imaginación y percepción de lo que es una relación interpersonal o una familia ha sido impuesto por agentes externos, incluyendo el estado, religión, clase, o normas de género? ¿Cómo podemos reimaginar o responder a esas imposiciones?
    En conjunto con lxs artistas esta exposición abraza la dificultad y la emoción de construir afectos en ausencia de modelos a seguir, arquetipos, o definiciones de lo que una familia (llámale como quieras) es o cómo esta debería de verse y sentirse.

Esta exposición fue un encargo de CUEN Gallery
catálogo de la exposición
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14 de enero del 2022
Lengua Materna (performance)

Artistas participantes: Paola Medina and Rebeca HernándezEscolta: Areli Díaz (abanderada), Adolfo Díaz (comandante), Valeria Díaz (trompeta uno), Olger Hernandez (trompeta dos), Christian Hinojosa (tambores)
Maestro de Ceremonias: Ramón Jiménez Cárdenas
Documentación: Roberto López Flores y Daniel Cabrera

Con su performance colaborativo “Lengua Materna", Paola y su madre, Rebeca, se apropian de gestos, diálogos y acciones patrias, para rechazar el lenguaje dominante nacional que se apodera de la relación madre-hija. De esta manera, el lenguaje entre ella y su madre es limitado y superado por el hecho de estar constantemente tejiendo los términos de su relación. La textura de este tejido, de esta conversación, disuelve la jerarquía entre madre e hija y con ello sacude la idea tradicional de la familia para proponer una noción distinta de “lengua materna” que poco tiene que ver con el apellido y el idioma oficial del estado, sino con una lengua compartida que surge entre dos personas que se permiten entrelazarse.

15 de enero del 2022
La Masculinidad es un Evento
(conversación de artista)

Artistas participantes: Michel Gantous

Michel Gantous nos habla de su proyecto: Incubadora de Masculinidades. Un proyecto iterativo de largo plazo que busca explorar y co-crear masculinidades anti-sexistas y anti-hegemónicas desde la pedagogía, la participación y el arte. Busca responder a la necesidad de actuar contra el machismo hegemónico en México desde las masculinidades mismas con la afirmación de que el machismo no es esencia, biología o necesidad. El machismo se entiende mejor como una corriente social que los mexicanos hemos aprendido a replicar en el día a día, pero que es tan propensa al cambio como cualquier otra institución sociopolítica.

21 de octubre - 15 de diciembre del 2021
Galería MASA presentó:
Elementos Vitales: Ana Mendieta en Oaxaca

Artistas participantes: Pia Camil, Frida Escobedo, EWE, Adeline de Monseignat, Solange Pessoa

Curaduría de Su Wu

©The Estate of Ana Mendieta Collection, LLC Courtesy Galerie Lelong & Co. Licensed by Artists Rights Society (ARS), New York
Photography by: Central Fotográfica

Una exhibición que rinde homenaje a la obra de Ana Mendieta al regresar los impactos posteriores de un encuentro —su documentación y subsecuente influencia— al lugar originario. Por primera vez, cinco de las célebres películas de la artista se presentarán en el estado de Oaxaca, donde fueron realizadas, incluida la primera película de la serie 'Silueta' de Mendieta, filmada en el sitio arqueológico de Yagul en 1974.
A la par de nuevas instalaciones comisionadas por cinco artistas, arquitectas, y diseñadoras contemporáneas, y curada por la escritora con sede en la Ciudad de México Su Wu, la exhibición destaca el prodigioso periodo en el que los viajes de Mendieta a México coinciden con el desarrollo de su singular acercamiento a las obras earth-body.

Esta exposición fue concebida por MASA, una galería nómada fundada en la Ciudad de México en 2019.
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